Ci sono artisti che urlano dalle loro tele e altri che, con la forza discreta del bronzo, scelgono il sussurro. Lo scultore Kenjiro Azuma apparteneva a questa seconda schiera. Nato a Yamagata, in Giappone, nel 1926, e scomparso a Milano nel 2016, Azuma è stato uno dei più grandi scultori del secondo Novecento italiano, capace di fondere la rigorosa filosofia zen con la lezione monumentale della grande tradizione occidentale.
Eppure, a guardare il mercato dell’arte contemporanea oggi, viene un briciolo di amarezza. Azuma è scivolato in quel cono d’ombra in cui finiscono i maestri che non fanno rumore, i giganti gentili che hanno preferito il lavoro in studio alle luci della ribalta mediatica. Per chi colleziona con intelligenza, questa è una di quelle anomalie che gridano vendetta e, al tempo stesso, offrono un’occasione irripetibile. Ma andiamo con ordine.
La vicenda personale. Dalla polvere di ferro alla nebbia di Milano
La vita di Azuma è un romanzo di formazione epico e doloroso. Cresciuto in una famiglia di tradizionali fonditori d’arte in bronzo a Yamagata, il giovane Kenjiro impara presto ad ascoltare il metallo. La sua giovinezza, tuttavia, viene tragicamente segnata dalla Seconda Guerra Mondiale: arruolato nell’esercito giapponese, vive l’esperienza devastante dei reparti speciali kamikaze, salvandosi per miracolo grazie alla fine del conflitto. Quell’ombra di morte, il senso della fine ma anche l’attesa salvifica di una rinascita, lasceranno un solco indelebile nella sua poetica.
Nel 1956, grazie a una borsa di studio del governo italiano, Azuma sbarca a Milano. È un viaggio che ha il sapore di una seconda nascita. Si iscrive all’Accademia di Brera e, mossa del destino, diventa l’allievo prediletto e l’assistente di Marino Marini, un altro titano della scultura moderna. Il legame tra il maestro italiano e il giovane artista giapponese diventa viscerale. Marini vede in Azuma la precisione, la dedizione e una purezza formale unica; Azuma vede in Marini una guida spirituale e artistica che lo radica profondamente nella cultura occidentale senza fargli perdere le sue radici orientali.
A Milano, Azuma mette radici profonde, trasformando la sua casa-studio in un rifugio di quiete zen nel caos della metropoli lombarda. Nonostante la sua immensa caratura internazionale, consacrata anche dal prestigioso premio “Shijuhosho” conferitogli dall’Imperatore del Giappone nel 1995 e dall’iscrizione nel Famedio del Cimitero Monumentale di Milano, la sua figura commerciale si è progressivamente affievolita, complice un carattere schivo, alieno alle logiche aggressive del clamore del momento.
L’estetica di Azuma. La goccia, il seme e il vuoto
Per capire le sue opere bisogna immergersi nel suo vocabolario visivo, sintetizzato mirabilmente nella celebre serie delle “MU” (che in giapponese significa “nulla” o “vuoto”, inteso però come grembo di infinite possibilità).
Azuma lavora su forme primarie: la sfera, il cilindro, il piano geometrico che si apre, si fende o si scompone. Le sue sculture in bronzo, spesso caratterizzate da una brunitura scura, quasi nera, mossa da improvvisi riflessi lucidi, sembrano contenere un segreto. Sono chiuse come semi o bozzoli protettivi, ma al loro interno celano una tensione vitale pronta a germogliare. C’è un dialogo costante tra il pieno e il vuoto, tra la rigidità della geometria e la morbidezza organica della vita.
Il mio incontro con Azuma nei musei: Quando le istituzioni ci vedono lungo
Confesso che la prima volta che mi sono imbattuta in un’opera di Azuma fuori dai cataloghi d’asta è stato quasi per caso, e l’effetto è stato di quelli che lasciano il segno. Girando per le fiere e le sale museali che spesso celebrano il frastuono dell’avanguardia, trovarsi faccia a faccia con la sua scultura è un’esperienza di pura epifania silenziosa.
Pensiamo a quando capita di camminare tra i capolavori senza tempo della Collezione d’Arte Contemporanea dei Musei Vaticani: lì, inattesa ma potentissima, svetta la sua monumentale Croce del 1968-1969. Non è la classica raffigurazione devozionale: è un blocco di bronzo che taglia lo spazio con una verticalità drammatica, quasi un grido trattenuto che ti costringe a fermarti e a fare i conti con il vuoto.
E che dire di quando ci si sposta a Milano? Al Museo del Novecento, nel cuore pulsante della città che lo ha adottato, l’incontro con le sue forme geometriche e i suoi cilindri ti restituisce intatto il sapore di quel sodalizio intellettuale con Marino Marini. O ancora, scendendo nel sud Italia, al MUSMA (Museo della Scultura Contemporanea) di Matera, le opere di Azuma sembrano dialogare per via sotterranea con la roccia e la pietra millenaria del tufo, come se quel bronzo giapponese fosse nato esattamente per abitare il silenzio di quelle grotte. Vederlo lì ti fa capire la dimensione universale di un artista che non ha mai avuto bisogno di alzare la voce per farsi ascoltare dalla storia.
Il mercato e il collezionismo. Una splendida anomalia da cogliere
Ed eccoci al punto che, da collezionisti, ci tocca da vicino. Perché un artista di questo spessore, che i musei custodiscono come un tesoro, vive oggi una fase di stasi commerciale così inspiegabile?
Semplice: Azuma non ha mai cercato il clamore mediatico. Di conseguenza, dopo la sua scomparsa, le sue opere si muovono su fasce di prezzo che hanno dell’incredibile se rapportate al suo curriculum.
Le piccole sculture e i multipli. È ancora possibile trovare piccoli bronzi, fusioni curate o placche firmate a cifre sorprendentemente accessibili, spesso comprese tra poche centinaia e un paio di migliaia di euro. Pezzi d’intimità straordinaria per chi vuole iniziare una collezione di alto profilo senza investimenti proibitivi.
Le sculture di medio formato (le “MU” o i cilindri). I pezzi unici di dimensioni medie, custoditi dai veri conoscitori, viaggiano su valutazioni che non riflettono affatto la loro importanza storica, risultando drammaticamente sottovalutati rispetto a colleghi occidentali di pari valore.
Perché comprarlo oggi (e tenerlo stretto)
Collezionare Kenjiro Azuma oggi non è soltanto un ottimo affare finanziario in ottica di una futura e inevitabile rivalutazione critica. È un atto di resistenza culturale.
Significa portare a casa un frammento di quella grande stagione in cui l’Italia sapeva accogliere i talenti del mondo e fonderli con la propria anima. Significa possedere un oggetto che, nel frastuono della contemporaneità, ci ricorda il valore del silenzio e della forma perfetta.
Se vi capita di incrociare una sua piccola scultura in un’asta minore o in una galleria di ricerca, non esitate. Fate vostra quella goccia di bronzo e di silenzio: il tempo, statene certi, restituirà a Kenjiro Azuma il posto d’onore che merita.
💡 Un consiglio imperdibile per approfondire: cercate su YouTube la puntata di Passepartout del 2010 in cui Philippe Daverio è andato a trovarlo nel suo studio a Milano. Un’intervista intima e profondamente commovente che vi farà innamorare della sua arte.